Carl Philipp
Emanuel Bach. Creador del estilo sensitivo (empfindsamer
Stil)
Johann
Christian BachGeorg Philipp Telemann
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)
C.P.E Bach, el personaje más interesante de la
transición entre el barroco y el clasicismo desarrolló una carrera como
intérprete y tratadista de extraordinaria repercusión, con su "Ensayo
sobre la verdadera manera de tocar el teclado"(1753-1762).
En él se refiere ya más explícitamente a las
cualidades del fortepiano, como un instrumento de teclado de cualidades
concretas, equiparables a las del clave o el órgano. Y estudia algunas
cuestiones de la técnica de la ejecución, diferentes maneras de ornamentar e
interpretar. Este tratado tuvo una gran importancia en el periodo posterior, si
tenemos en cuenta que tanto Haydn y Mozart como Beethoven recomendaban su
estudio.
En relación con el problema de la
ornamentación, CPE Bach tomó partido
ante la necesidad, cada vez más manifestada por los compositores de la segunda
mitad del XVIII, de regular la ornamentación, evitando que el libre albedrío
del intérprete modificase demasiado el texto: escribir la ornamentación parecía
la manera idónea de conseguir que el intérprete pudiese lucir sus habilidades y
a la vez, no alterase el texto original. Para CPE esto era de una importancia
básica, pues consideraba el adorno como una parte integrante y esencial de la
composición "que debe ser especificada
de modo inequívoco, en vez de dejar la elección al capricho del ejecutante
carente de gusto". El ornamento se constituye así en una parte
esencial de la expresión.
Existen dos razones para adecuar el adorno a
la expresión:
Primero, por el ideal de la naturalidad: todo
intérprete que desee acceder a la música deberá hacerlo en nombre del buen
gusto, y ello implica naturalidad, sencillez, que todo sea orgánico, también la
ornamentación.
Segundo, porque contribuye a realzar los
momentos expresivos de las obras del periodo: si en el momento precedente, la
teoría de los afectos permitía crear arias de bravura, de lirismo etc., en este
momento, lo que se busca es crear obras con estados de ánimo contrastantes,
dentro de la misma pieza.
A él se debe, como vimos anteriormente, la
creación del denominado empfindsamer Stil (estilo sensitivo) movimiento
compositivo que giraba en torno a la corte de Federico el Grande y que
evoluciona del estilo puramente galante.
Componer en escritura sencilla, melodía más
acompañamiento, en vez de contrapuntos: a esto se llamó estilo galante. Ambas
cualidades no siempre iban juntas, a veces se llegaron a componer obras
galantes que no eran sentimentales.
Pues como bien ponía de relieve Burney, mientras Federico II y los
músicos más queridos de su corte (Graun
y Quantz entre otros) se estancan, componiendo obras en el más puro estilo
galante, que no dicen nada y que se limitan a agradar el oído, Emanuel
evoluciona desde el estilo galante al empfindsamer Stil, esa nueva corriente
plena de pathos y tensión que provoca los alientos románticos del clasicismo
vienés y su natural derivación al romanticismo del siglo siguiente.
En la misma línea se manifestaba Emanuel cuando escribía en su tratado: "Un músico conmueve a los demás
solamente si él mismo está conmovido; es indispensable que ejercite todos los
estados de ánimo que quiere suscitar en sus oyentes, ya que así les hará
entender sus sentimientos y participar de sus emociones." Frente a la
grácil y elegante, pero fría objetividad galante, se proclama la primacía de la
subjetividad del artista con todo el fuego de sus pasiones como fin expresivo
de su música..
Maneja con originalidad y fácil técnica la forma sonata. En ella se ven ya
indicios de lo que será más tarde el
juego bitematico de la sonata clásica. Es una época en que comenzaba a desarrollarse
el estilo de la sonata, de quien es también uno de sus máximos precursores.
De hecho, Joseph
Haydn, un gran estudioso de su música, logró evolucionar el género musical
gracias precisamente al análisis pormenorizado que realizó de las sonatas de
C.P.E. Bach.
Mozart, posteriormente, incorporó a su música
instrumental, numerosos elementos del lenguaje musical del compositor de
Weimar. Wolfgang Amadeus
Mozart, que tuvo una estrecha relación con su joven medio hermano paterno, Johann Christian Bach, dijo de Carl
Philipp: "Él es padre, nosotros
somos los niños." Beethoven ensalzó la grandeza de sus composiciones.
Su escritura no es complicada ni derivada del estilo paterno. El
italianismo se manifiesta en su melodía bien desenvuelta, clara y sencilla: una
melodía que se emancipa hasta cierto punto de la influencia operística para
encontrar un tono y timbre singular.
Sus conciertos, sin desgajarse del patrón italiano, apuntan a un estilo más
enraizado con las esencias alemanas. Su estilo indica ya claramente el tránsito
de la sonata de clavecín a la sonata a la de piano forte. La crítica moderna,
después de un estudio profundo de su obra, ha rebajado mucho los méritos que
como precursor le atribuyo la musicología romántica.
Fuente http://www.raulmir.com/sinfonia-de-sonidos/el-precursor-del-clasicismo/
El compositor alemán escribió dos series de seis sonatas conocidas como las Sonatas prusianas que datan de
1742, abarcan los números 1 a 6, y están dedicadas a Federico el Grande
La segunda serie, compuesta en 1744, es la
denominada Sonatas de Wurtemberg,
dedicadas al duque de este territorio alemán, a quien había impartido lecciones
de clavecín en Berlín. Estas sonatas se caracterizan por su compleja técnica,
su melodiosidad y su precisión armónica. En ellas Bach asienta lo que serán
algunos de los principios distintivos de las sonatas que se compondrán
posteriormente. En la primera de la sonatas de esta serie el compositor propone
dos materiales contrastantes que a medida que avanza la música se unen en una
sóla idea, concepto que tan bien asimilaría Beethoven décadas más tarde.
Oimos algunas de sus sonatas:
El Concierto para flauta en re menor (Wq. 22) forma parte del repertorio habitual
de los flautistas de todo el mundo, sobre todo debido a su incomparable
movimiento inicial.
Igualmente se interpreta el Cuarteto en la menor para flauta, viola,
chelo y orquesta, n.º 1, H. 537 (Wq. 93) y el hermoso concierto para violonchelo en la mayor Wq
172.
Andantino from Quartet for Keyboard, Flute, & Viola in A minor, Wq. 93 by Carl Philipp Emanuel Bach
Cello Concerto in A, Wq. 172 - 1. Allegro di molto
Cello Concerto in A major, Wq.172 (2 largo con sordina & 3 Allegro assai) by Alison McGillivary
Su música orquestal (a pesar del tratamiento de la forma sonata) y su conservadora música de
cámara no están a la altura de su música para teclado.
Oímos algunas de sus sinfonías .
Symphony in E minor, Wq. 178 (H. 653)
Symphony No.3 in C major Wq.182 H659
Symphony No.3 in F major, H.665 Wq.183
Johann Christian Bach (1735-1782)
Vida y opera
Después de haber iniciado una sólida formación musical con su padre, a la muerte de éste, con su hermano Carl
Philipp Emanuel en Berlín, JC Bach se trasladó a Italia donde se formó
plenamente y en 1754 se convirtió en discípulo del renombrado músico y teórico
padre Martini y más tarde obtuvo el puesto de organista de la catedral de
Milán.
Luego se apartó de las tradiciones familiares de los Bach, introduciéndose
en el mundo de la ópera. De Londres recibió la invitación de hacerse cargo de
las representaciones operísticas y aceptó. Trasladó su residencia a Londres
1764, donde aparte de viajar a Paris y Mannheim para representar operas nuevas,
fue maestro de la Reina Carlota y profesor conocido. Fue tempranamente
ejecutante al recién aparecido piano-forte; y junto a otro alemán (C.F. Abel)
dirigió una importante serie de conciertos. Durante veinte años fue el
compositor más popular de Inglaterra: Los conciertos de Johann Christian
acontecieron bien pronto uno de los entretenimientos de moda predilectas de los
londinenses.
El acusado italianismo de sus óperas se ve también en su obra instrumental,
concebida al amparo de una fácil inspiración, que se mueve cómodamente entre
los formas al uso.
En las cartas de Mozart muy joven se nota un gran interés por las óperas de
J.C Bach. Interesaba sobre todo la dignidad musical de sus óperas, que,
italianas en el fondo y en la forma, mostraban sin embargo una técnica vocal y
orquestal meditada e influida por Haendel.
Johann Christian Bach unirá la mejor tradición musical alemana e italiana. Del modelo italiano
tomó influjo para sus once óperas, es el primer Bach que compone para el escenario,
en las que huye de todo dramatismo para imponer un estilo galante de bellas
melodías muy del gusto de la época.
Combinó una sólida técnica alemana con dominio del elegante estilo melódico
y la claridad formal de la música italiana. Sus óperas siguen las viejas
tradiciones italianas con arias floridas y melodiosas, a menudo ricamente
contrastadas por la orquesta, pero poco dramáticas en el sentido Gluckiano; de
hecho participó en la representación de Orfeo en Londres y neutralizó la
cualidad reformista de esta ópera añadiendo números suyos de corte tradicional,
como requería el gusto Londinense.
Su música para
teclado es menos aventurada que la de su hermano Carl Philipp, pero está
compuesta con más cuidado y mejor adaptada a los interpretes aficionados a
quienes estaba principalmente destinada. Allí donde Carl Philipp es apasionado,
Johann Christian es refinado y cortés, con melodías claras y cantábiles, con
hábiles acompañamientos y formas musicales bien proporcionadas.
La música de
Johann Christian se adentra en un terreno más cercano al clasicismo, se despoja
del bajo Alberti que era un elemento muy recurrente de la época. De
este modo, utiliza el fortepiano como un instrumento muy concertante, que es lo
interesante de todo esto, ya que en las capillas musicales de la época apenas
querían ni verlo.
El bajo Alberti es un tipo de acompañamiento con un acorde quebrado o
arpegiado, donde las notas del acorde se suceden en el orden
grave-agudo-medio-agudo; luego se repite el mismo patrón. El bajo Alberti se
encuentra con frecuencia en las partes para la mano izquierda en la música para
instrumentos de teclado, en especial en las obras pianísticas de Mozart.
En la música de cámara el oyente puede encontrar un manantial de elegancia
formal y proporción estilística.
Verdaderamente
excepcional es una serie suya de seis
quintetos para flauta, oboe, violín, viola y continuo donde las melodías están
ingeniosamente concebidas como un dialogo entre grupos instrumentales; este
tipo de conversación civilizada de instrumentos es característica de la mejor
música galante.
En la música orquestal destaca su sentido de las combinaciones
instrumentales: estamos en presencia del máximo representante del estilo
galante, con la seriedad formal de toda la familia Bach. Pese a ser una música bastante moderada e incluso «galante», bulle al
tiempo con la expresión de una emoción más profunda que se asocia
distintivamente con otras formas artísticas que estaban de moda en la época,
como el “estilo sensitivo”
La música orquestal de J.C Bach representa también un punto álgido,
principalmente por el estilo delicado y cálido de sus movimientos lentos, pero con un contenido más intenso que
el que sus contemporáneos italianos daban a sus sinfonías, las cuales eran a
menudo poco más que colecciones de clichés musicales.
J.C Bach creó un punto de contraste bien definido, quizá entre un motivo
inicial enérgico y una continuación ligera o entre un primer tema marcial y un
segundo tema lirico o femenino. Tres de sus mejores sinfonías están concebidas
para una orquesta doble, con un grupo pequeño (cuerdas , flautas) contrastando
con el conjunto principal( cuerdas, oboes, fagotes, trompas)
El proceso de
refinamiento estilístico de este músico que pudo integrar los mejores rasgos
del galante francés e italiano es una magistral síntesis de las corrientes
preclásicas, que puede ser percibida en sus principales grupos de sinfonías:
seis oberturas op 3; seis sinfonías op 6; tres sinfonías op 9; y las seis
sinfonías op 18, estas últimas consideradas la culminación de su producción
sinfónica ; además de doce sinfonías concertantes.
OUVERTURE LA CALAMITA - DAVID ZINMAN CAMBIAR
Seis sinfonías op 3
Symphony in D major, Op. 3, No. 1 - II. Andante
Symphony in D major, Op. 3, No. 1 - III. Presto
Symphony in Eb major Op. 9 No. 2 (2/3)
Symphony in Eb Op. 9 No. 2 (3/3)
Seis Sinfonías op 18. Aquí la célebre y
bellísima sinfonía op 18 nº 2
Symphony Concertante for Violin & Cello in B Flat WC46 - Mov. 2/3
Concertante for Violin & Cello in B Flat WC46 - Mov. 3/3
J.C. Bach Cello Concerto C Minor 2nd Mov
J.C. Bach Cello Concerto C Minor 3rd Mov.
Piano Concerto Op. 13 no. 4, andante (2 of 3)
Piano Concerto Op. 13 no. 4, andante con moto (3 of 3)
Este talentoso
compositor no solo llevó la sinfonía preclásica a su más alto nivel sino que a
través de la influencia directa que ejerció sobre el joven Mozart, estableció
un precedente esencial para la creación de la sinfonía madura del clasicismo.
Con la
influencia italiana, la inclinación por el equilibrio estructural y la
facilidad para la invención melódica, dieron paso a un estilo lirico, elegante,
lucido, delicado y sobrio que nunca raya en la simplicidad y banalidad de la
música de muchos de sus contemporáneos, alcanzando con frecuencia una
profundidad expresiva poco común en el preclasicismo.
Influido por CPE Bach, formado en la Italia del Norte, repartió su vida y
su trabajo entre las cortes de Berlín y de Gotha. A él se debe mucha parte de
la buena organización de la orquesta prusiana.
Georg
Philipp Telemann (1681-1767)
A pesar de su gusto y dotes
para la música, se orientó a los
estudios de derecho. Pero rápidamente se impuso la música y a partir de 1702 fundó
en Leipzig una orquesta de estudiantes: El Collegium
Musicum, y fue nombrado director de la ópera.
De 1705 a 1708 fue nombrado
maestro de capilla del conde Von Prommitz en Sorau ( actual Polonia), lo que le
permitió conocer bien la música francesa y polaca. En 1708 se instaló en
Eisenach, donde conoció a Bach. Entonces ya era celebre en toda Alemania, donde
se disputaban sus obras.
En 1721 fue nombrado
director del Teatro de la opera de Hamburgo y director de la música de
las cinco principales iglesias de la ciudad. Vivió en Hamburgo hasta su muerte
en donde tuvo como sucesor a su ahijado Carl Philipp Emanuel Bach.
Fue uno de los compositores de mayor éxito de su época. Sin embargo, a su muerte
su música cayó en el olvido hasta que en la década de 1930 se comenzaron a
realizar grabaciones de gran parte de su producción. Actualmente su música
forma parte del repertorio habitual de las salas de concierto.
Georg Philipp era tenido por músico moderno, capaz de atraer a la juventud
universitaria y, en efecto, para él la fuga y el contrapunto habían dejado de
ser los fundamentos de la música. Prefería la melodía, un estilo más ligero y
más simple. Esa es la razón por la que sólo apreciase a Bach como director y
gran virtuoso del teclado, pero no como compositor, omitiendo su nombre en el
poema Sobre diversos compositores alemanes, publicado en 1730.
Nacido antes que Bach,
Telemann murió cuando Haydn llegaba a la madurez y Mozart preparaba su viaje a
Italia. Esta longevidad contribuye a explicar la extraordinaria abundancia de
su producción, que cubre todos los géneros practicados en aquella época :
alrededor de cien oratorios, cerca de cincuenta pasiones , cantatas profanas,
decenas de óperas , alrededor de ciento veinte suites para orquesta,
innumerables piezas para clave , sonatas y conciertos para todos los
instrumentos.
Destaca en su producción el
célebre concierto en re mayor para
trompeta, cuerda y continuo. El seductor concierto en la mayor para oboe
de amor y cuerda y el célebre Tafelmusik ( música para banquete) , un
grupo de tres producciones que comprendía cada una suite de orquesta, un
cuarteto, un concierto , un trio , un solo con bajo continuo y una breve
conclusión orquestal.
Telemann - Concerto for trumpet, strings and continuo in D major, TWV 51:D7 -Allegro(2/4)
Telemann - Concerto for trumpet, strings and continuo in D major, TWV 51:D7 -Grave (3/4)
Telemann - Concerto for trumpet, strings and continuo in D major, TWV 51:D7 -allegro (4/4)
Concerto for Oboe in E minor, (TWV 51:e1
Oboe Concerto in D - minor
Oboe Concerto In C minor, TWV 51:c1
El
concierto en mi bemol mayor para dos trompetas, tercera pieza de la
tercera producción, tiene cuatro movimientos y se impone como una de las
partituras más modernas de Telemann, una de aquellas en que utiliza más ese
estilo homófono que le aproxima ya a las investigaciones de los futuros hijos
de Bach o de la escuela de Mannheim.
De las numerosas oberturas
(o suites para orquesta) de Telemann que son herencia de la estética francesa,
algunas han adquirido celebridad gracias s sus títulos pintorescos.
La más célebre de sus suites,
la suite en la menor para flauta y
cuerda, integra en el género suite elementos sacados de la música
italiana.
Suite in A minor (2/3)
Suite in A minor (3/3)
La Obertura francesa o Sinfonía de J. B. Lully, con movimientos
alternantes, lento-rápido-lento, apareció en Alemania en los años 1670-1680,
pero llega al apogeo en los tiempos de Telemann, por ello escribió más de 200,
pero cuando le pareció oportuno utilizó la Obertura italiana o Concierto,
rápido-lento-rápido, y en estas obras Telemann va a incluir un violín principal
concertante, y así aparece en algunas de sus óperas; el estilo de estos concerti es muy parecido al de los Concerti Grossi de G. F. Haendel.
Otras de las formas instrumentales, que practicó con perfección, son las
Sonatas-trío y los Cuartetos, que fueron muy estimados en Alemania.
Gran defensor
del estilo musical francés, Georg Philipp Telemann satisface en 1737 un deseo
largamente acariciado: pasar una temporada en París para aprender y mostrar su
música. Los ocho meses que allí permaneció fueron de éxito total, obteniendo
unánime aceptación e incluso privilegios reales. De esa época datan los
Cuartetos parisinos. Fuente: http://esdocs.org/docs/index-7257.html
Escritos entre los años 1737 y 1738. Son un ejemplo de virtuosismo sin
igual en su época. Telemann va a unir a la modernidad, el rigor y la sutileza
de la música de cámara. Conjuga las formas italianas, pero con una exquisita
deferencia hacia el público parisiense, ya que las denominaciones de los
movimientos y otras indicaciones están en francés. Su música es elegante,
noble, rica en temas, con una técnica depurada que se adelanta a lo que se está
componiendo en Europa, en la primera mitad del siglo XVIII.
Paris Quartet No.4 in G minor
Paris Quartet e-moll Distrait e Modere
Para los
contemporáneos de Telemann, el 'Quadro' (cuarteto) era un género musical
exigente y considerado como la piedra de toque de todo auténtico
contrapuntista. De hecho, no se trata del cuarteto de cuerda clásico, sino de
«tres instrumentos de distinta sonoridad que conciertan juntos sobre un bajo
continuo instrumental y donde todos tienen la misma importancia». Telemann
compuso esta colección para flauta travesera, violín, viola de gamba y bajo
continuo (clave o violonchelo).
En el Oratorio “El día del juicio”, Telemann, va a realizar unas
visiones musicales que le van a permitir ofrecer unas bellísimas melodías, un
descriptivismo dramático con los coros cómo protagonistas, aunque el
contrapunto no es riguroso. Esta obra es ejemplo de adaptación proverbial a las
novedades musicales de la época
La melodía, la armonía y las dinámicas son empleadas con su habitual
magisterio, en esta obra se encuentran novedades importantes dentro de la
orquestación, de la que Telemann era un maestro; pero ahora Georg Philipp
Telemann explota de forma exhaustiva la capacidad y las posibilidades de cada
instrumento. «Dar a cada instrumento lo
que pueda tolerar, para que el intérprete se deleite, y para que sienta placer
quien lo escuche» (Georg Philipp Telemann).
De su
oratorio El Juicio Final oímos este fragmento.
“Bach = Si menor, Telemann
= do mayor”, declaraba en el siglo XIX el musicólogo Espita, cuando
Telemann había caído en el olvido que se podía creer definitivo. El carácter
extrovertido de su música facilitaba este rasgo de ingenio, pero la inclinación
de Telemann a la melodía afable y los contornos netos refleja también un
aspecto de vanguardia anunciador del futuro clasicismo.
Como Bach, Telemann supo
sacar provecho de todo, pero con menos espíritu de síntesis, a la manera de un
camaleón que cambia de color cada vez que lo necesita. Telemann es autor de una
centena de conciertos, obras que le hacen aparecer como el más versátil y
prolífico de todos los compositores alemanes que se hayan consagrado a este género.
Combinó el contrapunto barroco convencional con la alegría italiana de sus
melodías y la orquestación francesa. Escribió con
facilidad y fluidez en los principales estilos de la época. Así se expresaba en
1728 Johann Christoph Gottsched, un
musicólogo de la época, acerca de su estilo:
“Particularmente he
oído alabanzas sobre el significativo Sr. Telemann en el sentido de que sabe
cómo respetar el gusto de todos los melómanos. A veces sigue a los extranjeros,
a veces a los franceses, generalmente incluye una mezcla de estilos en sus piezas
musicales. Evita todos los excesos técnicos que podrían agradar sólo a los
maestros, y prefiere la amable alternancia de tonos a la búsqueda de efectos
artificiosos. ¿Y qué es más razonable que esto?”
Telemann contribuyó enormemente tanto a lo que se conoce como estilo
alemán, el lenguaje contrapuntístico mezcla de los estilos francés e italiano
(y polaco, en su caso), como al estilo galante, más ligero en su conjunto a
pesar de su resistencia a la simplificación armónica que llegaba con el estilo
italiano de mediados de siglo.
El compositor afirmó haber "vestido" el estilo polaco con un
"atuendo italiano". También son muy frecuentes en sus obras los
elementos franceses, tanto en la orquestación como en los patrones formales,
así como en el uso frecuente de elementos programáticos.
A Telemann se le puede definir como el compositor que mejor
comprendió como adaptar su estilo a la evolución de las distintas corrientes
musicales del final del Barroco. Su escritura musical tiene una firmeza
sobresaliente, y siempre estuvo investigando y contribuyendo al desarrollo de
las novedades musicales de su época. Estudió minuciosamente a las dos escuelas
punteras del momento, como eran: la de Mannheim con su fundador y artífice,
Johann
Stamitz y la de Viena;
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